Como as mãos magistrais por trás do teto da Capela Sistina ou “A Noite Estrelada” (1889) poderiam criar algo atroz e confuso, mas mesmo os virtuosos da história da arte conseguiram alguns erros terríveis.

Imagens sobrecarregadas, perspectiva instável e interpretações errôneas anatômicas divertidas são geralmente atribuídas a anomalias, redimidas por outras realizações de tour-de-force. Mas é reconfortante lembrar que mesmo os gênios podem realizar alguns feitos surpreendentes de feiura. Abaixo, mostramos nove erros surpreendentes de alguns dos artistas mais amados do mundo.

“Noite” (c. 1520-32), de Michelangelo

Michelangelo Buonarroti, “Noite” (1524-27) / Reprodução

Forjada para coroar o túmulo de Giuliano de’ Medici, “Noite” é uma magnífica escultura alegórica de uma mulher adormecida. Como muitas das mulheres de Michelangelo, “Night” tem uma estatura muscular semelhante à de sua contraparte masculina, “Day”.

O reverenciado mestre renascentista era conhecido por empregar modelos masculinos para suas semelhanças femininas – uma prática comum na época, pois uma mulher posando nua era considerada vergonhosa. Apesar da tremenda destreza de Michelangelo, ele era chocantemente inepto, ou talvez descuidado, quando se tratava de seios.

De fato, o peito de Noite está tão desfigurado que em 2000, o oncologista Dr. James J. Stark publicou um artigo com a hipótese de que o câncer era o culpado por sua deformidade. Em defesa de Michelangelo, os historiadores da arte atribuíram esses apêndices pouco convincentes à escolha: sua suposta homossexualidade levou alguns a acreditar que o artista estava desinteressado – ou totalmente desinteressado – pela forma feminina.

“Operação com Pedra (Alegoria do Toque)” (c. 1624-25), de Rembrandt

Rembrandt van Rijn, “Operação Pedra (Alegoria do Toque)” (1624-25) / Reprodução

Um trio grotesco envolvido no que parece ser um procedimento médico duvidoso é iluminado por uma velha enrugada segurando uma vela. Ela lança uma luz fraca na têmpora do paciente enquanto um barbeiro-cirurgião mergulha com um bisturi, fazendo com que ele faça uma careta e cerre os punhos de dor.

Essa imagem desagradável pertence à “Série dos Cinco Sentidos”, um conjunto de cinco pinturas alegóricas feitas por Rembrandt quando ele tinha apenas 18 anos. O estranho assunto alude à frase arcaica “tirar uma pedra da cabeça”, uma operação fictícia para curar a tolice ou a estupidez. “Stone Operation” parece tosca, mas pressagia as habilidades técnicas que Rembrandt cultivaria como artista maduro.

“O Buquê Virado” (1660-79), de Abraham Mign

Abraham Mignon, “O Buquê Virado” (1660-79) / Reprodução

Explodindo de flora luminosa e sedosa, “The Overturned Bouquet”, ou “O Biqueê Virado”, em português, é uma cena virada para cima na qual uma urna derrubada causa estragos no que normalmente seria uma natureza morta tranquila. A água cai em cascata sobre a mesa enquanto insetos esfarrapados voam de caules quebrados, tudo renderizado com uma sutileza excepcional.

Uma inspeção mais detalhada revela o antagonista retorcido da imagem: um gato sibilante, cuja brincadeira com uma ratoeira deu errado. Em contraste com o realismo das flores e dos insetos, o gato se assemelha mais a um animal híbrido bestial com orelhas de morcego, nariz de humano e boca de macaco que grita.

Em uma única imagem, Abraham Mignon alcançou uma soberba verossimilhança pictórica e um trabalho malfeito felino para as eras.

“El tío Paquete” (c. 1819-20), de Francisco de Goya

Francisco de Goya, “El tío Paquete” (1819-20) / Reprodução

Ele pode ser considerado o maior pintor espanhol do período romântico, mas Francisco de Goya não faz favores ao Tío Paquete, aparentemente de cabeça bulbosa e de dentes escassos, neste retrato grosseiramente executado.

No verso da tela, Goya anunciava seu tema “el célebre ciego fijo” (“o famoso cego local”). Conhecido cantor e violonista cego em Madri, Tío Paquete postava diariamente do lado de fora da igreja de San Felipe el Real.

Mas de acordo com o retrato de Goya, Tío Paquete, com seu rosto maníaco e risonho emergindo em pinceladas rápidas de uma escuridão opaca, era mais sinistro do que gregário. A semelhança perturbadora está ligada às tardias “Pinturas negras” de Goya (1819-23), caracterizadas por suas paletas de cores sombrias e imagens macabras, que indicam o medo iminente da morte do artista.

“Pesca” (c. 1862-63), de Édouard Manet

Édouard Manet, “Pesca” (1862-63) / Reprodução

Esta paisagem surpreendentemente desleixada retrata o ilustre pintor Édouard Manet com sua futura noiva, Suzanne Leenhoff, no canto inferior direito da tela. Seus trajes do século 17 acenam para o Parque do Château de Steen de Peter Paul Rubens (c. 1632-35), no qual o influente pintor flamengo é posado de forma semelhante ao lado de sua esposa.

Na tela de Manet, pescadores trabalham em um pequeno barco no rio, enquanto um menino preguiçosamente lança uma linha na outra margem. Ao fundo, um arco-íris curiosamente opaco se derrama em uma aldeia distante marcada por um alto campanário. Enquanto a vegetação periférica e as árvores nesta cena árcade foram trabalhadas com detalhes e cuidado, a escala desproporcional e o terreno incrivelmente liso da composição central tornam “Fishing” tão fraco que parece inacabado.

“Os Comedores de Batata” (1885), de Vincent van Gogh

Vincent van Gogh, “Os Comedores de Batata” (1885) / Reprodução

Embora seja considerada a primeira pintura significativa de Vincent van Gogh, “Os Comedores de Batata” está longe de ser as obras de arte expressivas e revolucionárias que ele produziria mais tarde na vida. O artista autodidata ainda precisava dominar textura, cor ou retratos nesta fase de sua carreira, e os rostos feios nas cabeças disformes desses camponeses promovem uma composição monótona e desequilibrada.

Dito isso, Van Gogh ilustra efetivamente uma cena doméstica humilde, e sua falta de jeito formal ainda consegue alcançar uma familiaridade cativante. O que falta em “Os Comedores de Batata” em habilidade técnica é compensado com a evocação que eventualmente faria de Van Gogh uma estrela da arte.

“Marcelle Aron (Madame Tristan Bernard)” (1914), de Édouard Vuillard

Édouard Vuillard, “Marcelle Aron (Madame Tristan Bernard)” (1914) / Reprodução

Édouard Vuillard foi um membro chave dos Nabis (hebraico para “profetas”), um grupo exclusivo de pós-impressionistas que buscavam elevar a função decorativa da pintura. O estilo de Vuillard é amplamente caracterizado por cenas interiores íntimas, nas quais tecidos fortemente ornamentados (papel de parede, vestidos, roupas de cama) são harmoniosamente justapostos a figuras humanas planas e simplificadas.

“Marcelle Aron (Madame Tristan Bernard)” de 1914 é um quadro comparativamente sobrecarregado desprovido da magia e visão de suas pinturas e gravuras produzidas no século XIX. Enquanto o trabalho posterior de Vuillard foi rejeitado pelos críticos por sua falta de ambição, este retrato da sociedade é indiscutivelmente ambicioso demais: a confusão de cores e padrões conflitantes distrai de uma pintura de outra forma agradável (embora supremamente burguesa).

“Angry Dog” (c. 1938-43) por Edvard Munch

Edvard Munch, “Angry Dog” (1938-43). / Richard Jeffries

Para um artista que capturou tão primorosamente as profundezas angustiantes do desespero humano, “Angry Dog” é um componente surpreendente da obra de Edvard Munch. Munch forjou um relacionamento contencioso com o cachorro de seu vizinho, Rolle, cuja disposição sem limites e feroz levou o artista mercurial a rabiscar vários desenhos e litografias nada lisonjeiros – se não completamente infantis.

De acordo com o proprietário de Rolle, o Sr. Gunnerud, a negligência de longo prazo de seu zelador anterior transformou Rolle em um misantropo com tendências agressivas, e Munch era o assunto regular de sua ira. Basta dizer que essa aquarela cáustica torna o pobre Rolle uma criatura completamente imprópria.

Este artigo foi publicado em parceria com Artsy, a plataforma global para descobrir e colecionar arte. O artigo original pode ser visto aqui.

Este conteúdo foi criado originalmente em inglês.

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Fonte: CNN Brasil

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